Helen Frankenthaler

Die Ausstellung Helen Frankenthaler im Kunstmuseum Basel wird ermöglicht durch die Helen Frankenthaler Foundation, die grosszügigerweise 37 Werke der Künstlerin zur Verfügung gestellt hat. Weitere Werke stammen aus den Beständen bedeutender europäischer und US-amerikanischer Museen und Privatsammlungen wie der ASOM Collection, Vaduz, dem Brooklyn Museum, New York, der Phillips Collection, Washington, D.C., dem MAMCO Musée d’art moderne et contemporain, Genf, der Merzbacher Kunststiftung, Zürich, dem Museo Reina Sofía, Madrid, dem mumok, Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, dem Museum Reinhard Ernst, Wiesbaden, dem Stedelijk Museum, Amsterdam und dem Whitney Museum of American Art, New York. Ein Audioguide der soundgarden audioguidance GmbH führt durch die Ausstellung. Die Szenografie wurde von Groenlandbasel umgesetzt.

Frankenthaler wird Anfang der 1950er Jahre Teil der New Yorker Kunstszene. Zu dieser Zeit entwickelt sich die Stadt gerade zu einem neuen Mittelpunkt der internationalen Kunstwelt und löst Paris als kulturelles Zentrum ab. Frankenthaler gehört zur ersten Generation von Kunstschaffenden, die von diesem aufstrebenden Umfeld der modernen Kunst geprägt wird. Sie beginnt eine Beziehung mit dem Kunstkritiker Clement Greenberg und erhält schnell Zugang zur Kunstszene in New York. Mit ihm tauscht sie sich intensiv über Kunst aus.

Frankenthaler wendet sich der abstrakten Malerei zu und löst sich von traditionellen Formen, die sie während der Ausbildung gelernt hat. Ihre frühen Arbeiten werden vor allem von Arshile Gorky (1904–1948), Wassily Kandinsky (1866–1944), Joan Miró (1893–1983), Willem de Kooning (1904–1997) und Jackson Pollock (1912–1956) inspiriert.

Am 26. Oktober 1952 erschafft Frankenthaler ihr Schlüsselwerk Mountains and Sea. Sie nutzt ein völlig neues Verfahren: Sie giesst Farbe auf eine unbehandelte Leinwand, die sie auf dem Fussboden ausgebreitet hat. Der Stoff saugt die stark verdünnte Ölfarbe auf. Es entstehen durchscheinende und leuchtende Farbflächen, die Struktur der Leinwand bleibt sichtbar. Dieser technische Durchbruch verändert die Malerei grundlegend: Die Farbe wird Teil der Leinwand und ist nicht mehr nur eine Schicht auf der Oberfläche. Frankenthaler bewegt sich über die ganze Leinwand und bearbeitet diese von allen vier Seiten. Sie lenkt den Farbfluss mit Bürsten, Schwämmen und anderen Hilfsmitteln. Diese Arbeitsweise unterscheidet sich radikal von der traditionellen Malerei mit dem Pinsel an der Staffelei. Mit vollem Körpereinsatz nimmt sie den ganzen Raum ein. Mit dieser Technik löst sie sich von künstlerischen Vorbildern und begründet eine eigene Bildsprache.

Im Laufe ihres Lebens unternimmt Frankenthaler zahlreiche Reisen nach Europa, die ihre künstlerische Entwicklung prägen. 1948 reist sie zum ersten Mal über den Atlantik. Bei dieser und späteren Reisen begegnet sie bedeutenden Werken der Kunstgeschichte. Sie besucht die grossen Museen und wichtige Ausstellungen. Die Eindrücke der Landschaften, Kulturstätten und Kunstwerke fliessen in ihre Malerei ein. Frankenthaler zeigt sich besonders von den prähistorischen Höhlenmalereien in Altamira beeindruckt. Sie besucht die Kulturstätte in Spanien 1953 und 1958. Die Künstlerin stellt eine Verbindung zu ihrer eigenen Malerei her und vergleicht die raue Höhlenwand mit der unbehandelten Leinwand ihrer Gemälde.

Ab 1956 schafft Frankenthaler Arbeiten, die durch Begegnungen mit anderen Kunstwerken angeregt sind. Ihre Vorbilder reichen von Tizian (um 1488–1576) bis hin zu Marie Laurencin (1883–1956) und zeigen damit eine bemerkenswerte stilistische und zeitliche Bandbreite. Sie reagiert auf spezifische Gemälde oder lässt sich von der Art und Weise inspirieren, wie Künstler:innen in der Vergangenheit gearbeitet haben.

Anfang der 1960er Jahre tauchen neue Kunstströmungen wie die Farbfeldmalerei und die Pop-Art auf. Letztere lässt sich von der Bildwelt der Werbung, Konsumgütern und Massenmedien inspirieren. In dieser Umbruchphase hinterfragt auch Frankenthaler ihre bisherige Malweise. Sie erschafft luftige und teilweise figürliche Bildkonstruktionen.

Im vierten Ausstellungsraum kann der Blick auf Frankenthalers Leben und ihre künstlerische Entwicklung vertieft werden: Eine reich bebilderte Biografie zeichnet zentrale Stationen ihres Lebens nach. Ergänzend wird dazu das zwanzigminütige Filmporträt Helen Frankenthaler: Let the Picture Lead You von Maria Anna Tappeiner (Wolf Truchsess von Wetzhausen / WESTEND Film & TV Produktion, 2025) gezeigt, das die beeindruckende Persönlichkeit der Künstlerin einfängt.

Um 1970 befindet sich Frankenthaler in einer besonders produktiven Phase. Sie entwickelt ihre Maltechnik weiter und experimentiert mit kräftigeren Farbaufträgen. Es entstehen grossformatige Werke, die an Landschaften erinnern und doch aus abstrakten Farbflächen bestehen.

In Werken wie Flood (1967) liegt die Konzentration noch auf der Farbfläche. Kurze Zeit später hält die Linie als fein gezeichneter Strich wieder Einzug in ihre Werke. Sie bildet nicht eine Kontur oder eine Begrenzungslinie, sondern wird zum eigenständigen Bildelement. Damit bildet die Linie einen Gegenpol zu den Farbfeldern und strukturiert die Leinwand. Durch dieses Zusammenspiel von Linearität und Fläche entsteht eine räumliche Wirkung. In Werken wie Moveable Blue (1973 ) wird die Linie mehr und mehr zum gemalten Element.

In den frühen 1960er Jahren beginnt Frankenthaler mit Acrylfarbe zu experimentieren. In einigen Werken aus dem Jahr 1963 prägt sich die Maserung der Dielen ihres Atelierbodens in die Leinwand ein. Diesen Effekt integriert sie für kurze Zeit in ihre Bildsprache. Zudem entstehen mehrere Arbeiten mit dichten Malschichten und sie entdeckt, dass die Farbe bis auf die Rückseite der Leinwand durchdringt. Daraufhin dreht sie die Werke um, um auf der Rückseite weiterzumalen. Diese werden später als «floorboard paintings» (Dielenbilder) bezeichnet. Sie zeugen von einer intensiven Auseinandersetzung mit Materialität und Bildfläche.

Frankenthalers Ansatz, Farbe im Zusammenspiel von Material, Oberfläche und Arbeitsweise zu betrachten, ist Teil eines neuen Verständnisses von Malerei, das viele westliche Künstler:innen der Nachkriegszeit teilen.

Im Verlauf der 1970er Jahre erweitert Frankenthaler ihre Malweise. Sie arbeitet weiterhin auf dem Boden und schafft Werke mit strukturierten und vielschichtigen Oberflächen. Auf unterschiedliche Weise trägt sie die Farbe auf und schichtet sie mithilfe verschiedener Werkzeuge. Trotz ausgedehnter Farbflächen bewahren die Bilder räumliche Tiefe, die durch transparente Malschichten entsteht.

In diesen Jahren gewinnen auch ihre Arbeiten auf Papier an Bedeutung. Frankenthaler behandelt sie als eigenständige Werke. Sie bearbeitet sie auf ähnliche Weise wie ihre Gemälde und sie besitzen die gleiche Ausdruckskraft.

Gegen Ende des Jahrzehnts wendet sie sich abermals dem Studium der älteren Malerei zu. Mit dünnen Farbschichten über dunklem Grund schafft sie Licht- und Schattenwirkungen, wie sie sie bei Künstlern wie Tizian oder Rembrandt (1606–1669) gesehen hat.

In den 1980er Jahren setzt sich Frankenthaler noch einmal intensiv mit Werken der Kunstgeschichte auseinander. Sie reagiert auf spezifische Werke, die von japanischen Holzschnitten bis zu europäischen Malern wie Gustave Courbet (1819–1877) und Édouard Manet (1832–1883) reichen. Dabei kopiert sie die Gemälde nicht, sondern paraphrasiert sie, indem sie die Vorlagen in ihre abstrakte Bildsprache überführt.

Die historischen Werke dienen ihr als Ausgangspunkt für das, was sie im eigenen Schaffen sucht: «Im Grunde geht es um Grösse und um das Zusammenspiel von Raum und Licht.» (1996). Die Motive der Vorbilder sind teilweise erkennbar, doch lösen sie sich in stürmische Landschaften oder atmosphärische Räume auf. Frankenthaler nutzt eine grosse Bandbreite an Farbaufträgen: Dünne Farbschichten und Farbspritzer sind neben energischen Pinselstrichen und dick aufgetragenen Farbklumpen zu sehen.

Ende der 1980er Jahre beginnt Frankenthaler eine Reihe von Gemälden mit dynamisch gestalteten Oberflächen und kontrastreicher Farbwirkung. Die intensiv leuchtenden Farben auf dunklem Grund erinnern an stürmische Landschaften. Auch in den frühen 1990er Jahren inspiriert sie die Auseinandersetzung mit Naturphänomenen zu expressiver Malerei. Der Farbauftrag wird jedoch dicker.

In ihren letzten Schaffensjahren wendet sich Frankenthaler verstärkt grossen Papierarbeiten zu, die auf dem Ateliertisch entstehen. Die Beschäftigung mit Künstlern der Vergangenheit, wie Claude Monet (1840–1926), Rembrandt oder James McNeill Whistler (1834–1903), bleibt weiterhin präsent. 2002 malt sie ihre letzten Leinwände, darunter das Werk Cloud Burst, das einzigartig ist und doch einen Bezug zu ihren künstlerischen Anfängen der 1950er Jahre und zur Soak-Stain-Technik aufweist.

Am Eingang zur Sammlung US-amerikanischer Kunst des Kunstmuseums Basel hängt Salome (1981) von Helen Frankenthaler – in der Nähe von Werken der Künstler:innen, die sie kannte und mit denen sie im Austausch stand. Die Sammlung hat tiefe Wurzeln: Schon 1959 wurde das Kunstmuseum durch eine Schenkung zur ersten europäischen Institution mit einer Sammlung zeitgenössischer Malerei aus den USA. Schlüsselwerke von Franz Kline (1910–1962), Barnett Newman (1905–1970 ), Mark Rothko (1903–1970) und Clyfford Still (1904–1980) bilden die Basis eines bis heute zentralen Sammlungsschwerpunkts. Mit der Schenkung des Gemäldes Riverhead (1963) durch die Helen Frankenthaler Foundation im Jahr 2024 ist nun auch eine der bedeutendsten Malerinnen der amerikanischen Nachkriegskunst im Kunstmuseum vertreten.