Helen Frankenthaler

L’exposition Helen Frankenthaler au Kunstmuseum Basel est rendue possible grâce à la Helen Frankenthaler Foundation qui a généreusement mis à disposition 37 œuvres de l’artiste. D’autres œuvres proviennent des fonds de musées et de collections particulières européennes et états-uniennes d’importance, à l’instar de la ASOM Collection, Vaduz, du Brooklyn Museum, New York, de la Phillips Collection, Washington, D.C., du MAMCO Musée d’art moderne et contemporain, Genève, de la Merzbacher Kunststiftung, Zurich, du Museo Reina Sofía, Madrid, du mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, du Museum Reinhard Ernst, Wiesbaden, du Stedelijk Museum, Amsterdam et du Whitney Museum of American Art, New York. Un audioguide conçu par l’entreprise soundgarden audioguidance vous accompagne à travers l’exposition. La scénographie a été réalisée par Groenlandbasel.

Au début des années 1950, Frankenthaler intègre la scène artistique new-yorkaise. À cette époque, la ville est sur le point de devenir un nouveau haut lieu du monde artistique international, détrônant Paris en tant que centre culturel. Frankenthaler fait partie de la première génération d’artistes influencés par cet environnement artistique moderne en plein essor. Elle entame une relation avec le critique d’art Clement Greenberg et accède alors rapidement à la scène artistique new-yorkaise. Avec lui, elle s’échange intensément sur l’art.

Frankenthaler se tourne vers la peinture abstraite et s’éloigne des formes traditionnelles apprises durant sa formation. Ses premières oeuvres s’inspirent principalement d’Arshile Gorky (1904–1948), Wassily Kandinsky (1866–1944), Joan Miró (1893–1983), Willem de Kooning (1904–1997) et Jackson Pollock (1912–1956).

Le 26 octobre 1952, Frankenthaler crée son oeuvre majeure Mountains and Sea. Elle utilise un procédé totalement nouveau : elle verse de la peinture sur une toile non apprêtée étalée sur le sol. Le tissu absorbe alors la peinture à l’huile fortement diluée. Il en résulte des surfaces colorées translucides et lumineuses, la structure de la toile restant visible. Cette avancée technique révolutionne la peinture : la couleur fait désormais partie intégrante de la toile et ne constitue plus seulement une couche à sa surface. Frankenthaler se déplace autour de la toile et la travaille de tous les côtés. Elle dirige le flux de pigments à l’aide de pinceaux, d’éponges et d’autres moyens. Cette méthode diffère radicalement de la peinture traditionnelle au pinceau sur chevalet. L’artiste occupe tout l’espace en utilisant tout son corps. Grâce à cette technique, elle se détache des modèles artistiques et crée son propre langage visuel.

Au cours de sa vie, Frankenthaler entreprend de nombreux voyages en Europe qui marquent son évolution artistique. En 1948, elle traverse l’Atlantique pour la première fois. Lors de ce séjour et d’autres qui suivront, elle découvre des oeuvres majeures de l’histoire de l’art. Elle visite les grands musées et les expositions importantes. Les impressions laissées par les paysages, les sites culturels et les oeuvres d’art se reflètent dans sa peinture. Frankenthaler est particulièrement frappée par les peintures rupestres préhistoriques d’Altamira. Elle visite ce site archéologique en Espagne en 1953 et 1958. L’artiste établit un lien avec sa propre peinture et compare la paroi rugueuse de la grotte à la toile non traitée de ses tableaux.

À partir de 1956, Frankenthaler réalise des créations inspirées par ses rencontres avec d’autres oeuvres d’art. Ses modèles vont du Titien (vers 1488–1576) à Marie Laurencin (1883–1956), couvrant ainsi un éventail stylistique et chronologique remarquable. Elle réagit à des peintures spécifiques ou s’inspire de la manière dont les artistes travaillaient dans le passé.

Au début des années 1960, de nouveaux courants artistiques apparaissent, tels que le Color Field painting et le pop art. Ce dernier s’inspire de l’univers visuel de la publicité, des biens de consommation et des médias de masse. Dans cette période de bouleversements, Frankenthaler remet également en question sa manière de peindre. Elle crée des compositions aériennes et parfois figuratives.

La quatrième salle d’exposition permet d’approfondir le regard sur l’existence et l’évolution artistique d’Helen Frankenthaler à travers une biographie richement illustrée qui retrace des étapes essentielles de sa vie. Celle-ci est complétée par la diffusion du film Helen Frankenthaler: Let the Picture Lead You, un portrait de vingt minutes réalisé par Maria Anna Tappeiner (Wolf Truchsess von Wetzhausen / WESTEND Film & TV Produktion, 2025) qui a réussi à capter la personnalité fascinante de cette artiste.

Vers 1970, Frankenthaler traverse une période particulièrement productive. Elle perfectionne sa technique picturale et expérimente des applications de couleurs plus vigoureuses. Elle réalise des oeuvres grand format qui rappellent des paysages tout en étant composées de surfaces colorées abstraites.

Dans des oeuvres telles que Flood (1967), l’accent est encore mis sur la surface colorée. Peu de temps après, la ligne fait son retour dans ses oeuvres sous la forme d’un trait finement dessiné. Elle ne forme pas un contour ou une ligne de délimitation, mais devient un élément pictural à part entière. La ligne forme ainsi un pôle opposé aux champs de couleur et vient structurer la toile. Cette interaction entre linéarité et surface crée un effet spatial. Dans des oeuvres telles que Moveable Blue (1973), la ligne devient de plus en plus un élément peint.

Au début des années 1960, Frankenthaler commence à expérimenter la peinture acrylique. Dans certaines oeuvres de cette période, la madrure du plancher de son atelier laisse une empreinte sur la toile. Elle intègre cet effet dans son langage pictural. Elle réalise également plusieurs oeuvres avec des couches de peinture épaisses et découvre que celles-ci traversent la toile jusqu’à l’arrière. Elle retourne alors ses compositions pour continuer à peindre au verso. Celles-ci sont plus tard designées comme « floorboard paintings » (« peintures à plancher »). Ces dernières témoignent d’une réflexion intense sur la matérialité et la surface picturale.

L’approche de Frankenthaler, qui consiste à considérer la couleur dans son interaction avec les matériaux, les surfaces et la manière de travailler, s’inscrit dans une nouvelle compréhension de la peinture partagée par de nombreux artistes occidentaux de l’après-guerre.

Au cours des années 1970, Frankenthaler élargit sa technique picturale. Elle continue à travailler à même le sol et crée des oeuvres aux surfaces structurées et multicouches. Elle applique la peinture de différentes manières et la superpose à l’aide de divers outils. Malgré les vastes surfaces colorées, les images conservent une profondeur spatiale créée par des couches de peinture transparentes.

Durant ces années, ses oeuvres sur papier prennent également de l’importance. Frankenthaler les traite comme des oeuvres à part entière. Elle les travaille de la même manière que ses peintures et leur confère ainsi la même force expressive.

Vers la fin de la décennie, elle se tourne à nouveau vers l’étude de la peinture ancienne. Grâce à de fines couches de couleur sur un fond sombre, elle crée des effets d’ombre et de lumière comme ceux observés chez des artistes tels que Le Titien ou Rembrandt (1606–1669).

Dans les années 1980, Frankenthaler se penche à nouveau intensément sur les oeuvres de l’histoire de l’art. Elle réagit à des compositions spécifiques, allant des gravures sur bois japonaises aux peintres européens tels que Gustave Courbet (1819–1877) et Édouard Manet (1832–1883). Elle ne les copie pas, mais les paraphrase plutôt en transposant les modèles dans son langage pictural abstrait.

Les oeuvres historiques servent de point de départ à son propre processus créatif : « En fait, il s’agit de taille et de l’interaction entre l’espace et la lumière. » (1996). Les motifs des modèles sont en partie reconnaissables, mais ils se fondent dans des paysages tumultueux ou des espaces atmosphériques. Frankenthaler utilise une large gamme d’applications de peinture : les couches fines et les éclaboussures côtoient les coups de pinceau énergiques et les grumeaux épais.

À la fin des années 1980, Frankenthaler commence une série de peintures aux surfaces dynamiques et aux couleurs contrastées. Les pigments vifs et intenses sur fond sombre évoquent des paysages orageux. Au début des années 1990, elle s’inspire également de phénomènes naturels pour créer une peinture expressive. L’application de la peinture devient toutefois plus épaisse.

Au cours de ses dernières années de création, Frankenthaler se consacre davantage à de grandes oeuvres sur papier, réalisées sur la table de son atelier. Sa réflexion sur les artistes du passé, tels que Claude Monet (1840–1926), Rembrandt ou James McNeill Whistler (1834–1903), est toujours bien présente. En 2002, elle peint ses dernières toiles, dont l’oeuvre Cloud Burst qui, tout en étant unique, entretient le lien avec ses débuts artistiques dans les années 1950 et sa technique du soak-stain.

À l’entrée de la collection d’art américain du Kunstmuseum Basel, Salome (1981) de Frankenthaler dialogue avec d’oeuvres d’artistes qu’elle a côtoyés et avec lesquels elle entretenait un dialogue artistique. La collection plonge ses racines loin dans le passé : dès 1959, le Kunstmuseum est devenu, grâce à une donation, la première institution européenne à se doter d’un ensemble d’oeuvres de peinture contemporaine américaine. Des oeuvres majeures de Franz Kline (1910–1962), Barnett Newman (1905–1970 ), Mark Rothko (1903–1970) et Clyfford Still (1904–1980) forment le socle d’un axe de collection qui demeure central aujourd’hui. Avec la donation du tableau Riverhead (1963) par la Helen Frankenthaler Foundation en 2024, l’une des plus importantes peintres américaines de l’après-guerre est désormais elle aussi représentée au Kunstmuseum.