Paula Rego

Paula Rego hat in ihrer langen Karriere nur wenige Selbstbildnisse geschaffen. Die meisten davon gleichen einem Verwirrspiel: Ein Rollenporträt in betont männlicher Haltung, ein Spiegelbild, das nicht Rego, sondern ihr Modell reflektiert, oder eine Figur mit verletzten Augen in einem Strudel zerschnittener Formen. Dass sich die Künstlerin direkt zeigt, bleibt die Ausnahme. Stilistisch zeugen die Selbstbilder Regos von der grossen Wandlungsfähigkeit, mit der sie der eigenen Kunst im Verlauf der Zeit immer wieder neue Richtungen gegeben hat.

Familie – für Paula Rego bedeutete das zunächst die Trennung von Vater und Mutter, die zeitweise im Vereinigten Königreich wohnten, während sie bei den Grosseltern in Lissabon blieb. Später ermöglichten die Eltern ihr das Studium in London an der renommierten Slade School of Art. Ihr künstlerisches Schaffen hielt Rego stets getrennt von ihrem Leben als Ehefrau und Mutter dreier Kinder. Dennoch tauchen Familienmitglieder immer wieder als Modelle in ihren Werken auf. In The Family gab Rego der Figurenkonstellation eine unheimliche, psychologische Dimension. In The Dance hingegen offenbart sich der Wechsel von Beziehungen und Für-sich-Sein als ein Rhythmus des Lebens.

Wie prägend Geschichte und Mentalität des eigenen Herkunftslandes sein können, zeigt sich in Paula Regos historischen Themen. Sie befasste sich etwa mit einem
Königsmord oder der von Kirche und Militär unterstützten Diktatur unter António de Oliveira Salazar. In einem riesigen Wandteppich überlagern sich lange zurückliegende und gegenwärtige traumatische Erfahrungen Portugals: Während das Land in den 1960er Jahren Krieg gegen die Unabhängigkeitsbewegungen seiner letzten Kolonien auf dem afrikanischen Kontinent führte, rief Rego eine vernichtende Niederlage gegen marokkanische Truppen in Erinnerung, die dem portugiesischen Expansionsstreben 1578 ein Ende gesetzt hatte.

Auch am Verhältnis von Frau und Mann in Paula Regos Schaffen zeigt sich, dass ihr künstlerisches Universum keine heile Welt ist. Die Dynamik zwischen den Geschlechtern ist bis hinein in die Erotik geprägt von Macht und Gewalt. Tierfiguren stehen stellvertretend für Gegenspieler oder repräsentieren Triebkräfte und körperliche Bedürfnisse. Beim Thema Untreue
oder der Pflege ihres erkrankten Ehemanns griff Rego zwar eigene Erfahrungen auf. Dominanzstreben, Verletzlichkeit und Selbstbehauptung erscheinen in ihrer Kunst jedoch zugleich als Bedingungen des Menschseins.

Paula Regos Auseinandersetzung mit Märchen in den 1970er Jahren wurde wegweisend für ihre Kunst. Stoffpuppen wie die der Prinzessin auf der Erbse und die Bilder zur portugiesischen Erzählung der unscheinbaren Heldin Brancaflor stehen am Beginn ihrer lebenslangen Suche nach fesselnden Geschichten.

Rego war fasziniert von der Erkenntnis des Schweizer Psychoanalytikers Carl Gustav Jung, dass sich in den grossen Erzählungen auf der ganzen Welt ähnliche psychische Grundmuster in Form von Helden, Zauberern oder Weisen konkretisieren. In radikalen Umdeutungen stellte sie jedoch Frauen in den Mittelpunkt, die gegen sichtbare und unsichtbare Widersacher antreten. Nicht nur in ihrem späten Hauptwerk Oratório ist das Leben dieser komplexen Heldinnen von den verdrängten, dunklen Aspekten des kollektiven Unbewussten bestimmt.

Die eingängigen und bildmächtigen Geschichten, denen wir in unserer Kindheit begegnen, erzeugen und verfestigen in unseren Köpfen Idealvorstellungen und Rollenmuster. Gerade was spielerisch daherkommt, wie Märchen oder Disney-Filme, entfaltet umso grösseren Einfluss. Paula Rego entlarvt die Stereotype mit Witz und Ironie, ihre tiefe Zuneigung zu den Geschichten bleibt jedoch spürbar. Sie zeigt ein Schneewittchen, das alleine auf Fellen sitzt, statt mit dem perfekten Prinzen auf einem weissen Pferd davonzureiten; ihre Blaue Fee ermahnt Pinocchio nicht freundlich, sondern nähert sich dem Kind bedrohlich; und die von Disney als gezierte Strausse verspotteten Ballerinen verwandelt Rego in bodenständige Frauen mittleren Alters.

Paula Rego beschäftigte sich in einer Psychoanalyse konsequent mit dem eigenen Innenleben. Sie erschloss sich Bereiche des Irrationalen und Verdrängten, die vielen nur in Träumen zugänglich sind. In ihren Werken fand sie Ausdruck für die schattenhaften psychischen Prozesse, die Geschichten wie Franz Kafkas Verwandlung oder Charlotte Brontës Jane Eyre bestimmen. An Peter Pan interessierte sie die Weigerung, erwachsen zu werden, während ihr Triptychon The Pillowman die seelischen Abgründe und Auswüchse einer grotesken literarischen Verhörszene verarbeitet.

Zuweilen nutzte Paula Rego ihre Kunst als Mittel des politischen Widerstands. Sie prangerte die nach wie vor weit verbreitete Praxis weiblicher Genitalverstümmelung an und schuf eindringliche Serien von Pastellen und Druckgrafiken, in denen sie die gefährlichen Folgen illegaler Abtreibungen für Frauen vor Augen führte. Die Werke entstanden, nachdem in Portugal Ende der 1990er Jahre ein liberalerer Gesetzentwurf zum Schwangerschaftsabbruch in einer Volksabstimmung abgelehnt worden war. Sie halfen, die öffentliche
Meinung bis zum nächsten Referendum zu verändern. Als es 2003 in London angesichts der britischen Beteiligung am Irakkrieg zu den grössten Anti-Kriegsdemonstrationen seit Jahrzehnten kam, protestierte Rego ebenfalls – mit einem Gemälde voller aktivistischer Intensität.

In einer Serie von sieben Pastellen zeigt Paula Rego, wie der Kampf gegen sich selbst, gegen innere und äussere Mächte, den Geist lähmen und den Körper niederpressen kann. Der Protagonistin scheint die Energie zu fehlen, sich aufzurichten. Der Farbkontrast von Goldocker und Violett jedoch ist alles andere als kraftlos. Diesem Kampf um Körper, Geist und Seele
steht in Regos Schaffen ein Zeichen weiblicher Stärke gegenüber. Angel ist ihr berühmtestes Werk. Die Figur einer Frau in weitem Rock und metallisch glänzender Bluse verkörpert komplexe, widerstreitende Emotionen. Milde und entschlossen, vergebungsbereit und wehrhaft, ist sie ein Symbol für Anspruch, Streben und Kampfgeist.